前期｜从一句话找到可拍的情境
写剧本时，先确认人物在这个场景中具体想获得什么。示例：一个人准备归还借来的伞，却发现伞柄上留下了陌生纸条。这不是某部真实作品情节，而是方便讨论的创作练习。目标、障碍和情绪转折明确后，镜头才知道应当重点观察什么。
剧本也应留出不由台词解释的空间：动作与停顿往往能替代直白说明。
勘景｜让地点承担叙事
选择场景不只是挑选漂亮的背景。空间有没有安静角落，人物从哪里进入，现有光线怎样变化，都直接决定拍摄方法。同一段对话放在空荡走廊和拥挤餐桌旁，会产生不同的关系感。
以场景真实可用的条件设计动作，比临时依赖复杂器材更稳妥。
拍摄｜光线、构图与表演彼此影响
摄影不应单独追求每一帧美观。镜头距离决定观众能否读到微表情，光线变化可能改变人物的情绪，表演节奏则反过来决定镜头停留时间。一次平静的抬头若被快速剪掉，角色内心的变化就不容易被看见。
现场应让表演、摄影与收音充分沟通，避免画面成立而关键声音丢失。
后期｜剪辑不是缝合素材
剪辑把观众的注意力安排进时间。一个镜头如果太早离开，观众还没理解动作；停留太久，则可能让情绪失去方向。声音设计也需要保留空间连续性，不能为了强调情绪而无端压平周围的生活声。
完成后试着只听声音或只看画面，发现哪一种信息正在承担叙事核心。